Wednesday, November 21, 2018
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El legado de Jim Morrison y the Doors

By Real Red Mag @REALREDMAG #REALREDJimMorrison Casi veinticinco años atrás, en medio de una temporada en la que el rock & roll estaba tratando de definirse como la fuerza obligatoria de una nueva comunidad juvenil, los Doors se

By Real Red Mag

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Casi veinticinco años atrás, en medio de una temporada en la que el rock & roll estaba tratando de definirse como la fuerza obligatoria de una nueva comunidad juvenil, los Doors se convirtieron en la banda de la casa de un apocalipsis estadounidense que aún no estaba aún nos. De hecho, el debut impresionante y excitante del cuarteto de Los Ángeles, The Doors, voló en la cara del ethos positivista emergente del rock y de hecho ayudó a formar la base para un cisma que todavía persiste en la música popular. Mientras grupos como los Beatles o las muchas bandas que salían del área de la Bahía estaban promocionando fervientemente la fusión de la música, las drogas y el idealismo que esperaban reformar -y redimir- una época de problemas, los Doors habían formado un álbum que miraba las perspectivas del hedonismo Y la violencia, de la revuelta y el caos, y abrazó esas perspectivas sin tregua. Claramente, las puertas – en particular el delgado y sombrío guapo cantante de plomo, Jim Morrison – entendieron una verdad sobre su edad que muchos otros artistas pop no: a saber, que estos eran tiempos peligrosos, y peligroso no sólo porque la cultura juvenil estaba bajo Fuego por romper con convenciones y aspiraciones establecidas. En cierto nivel, Morrison se dio cuenta de que el peligro también era interno, de que la “generación amorosa” apenas tenía sus propios impulsos oscuros. De hecho, Morrison parecía entender que cualquier generación tan decidida a darse permiso para ir tan lejos como pudo también se estaba dando una licencia para la destrucción, y parecía ganar deleite y afirmación de esa comprensión.

Por consiguiente, en esos momentos en la miniopera experimental de The Doors, “The End”, cuando Morrison cantaba acerca de querer matar a su padre y follar a su madre, logró tomar una noción algo tonta de indignación y hacerla sonar convincente, incluso de alguna manera justificado. Más que las canciones de Bob Dylan o los Rolling Stones, las letras de Morrison significaban el reconocimiento de que una generación más vieja había traicionado a sus hijos, y que esta traición requería una amarga devolución. No es de extrañar, entonces, que la música de los Doors (“The End” en particular) se convirtiera en un favorito entre los jóvenes estadounidenses que luchaban en Vietnam, en una guerra en la que los niños habían sido enviados para matar o morir por los ideales asustados de una generación anterior. Otros grupos trataban de preparar a su público para un mundo de esperanza y paz; Las Puertas, mientras tanto, estaban haciendo música para un tiempo voraz y asesino, y en el mejor del grupo, el efecto era completamente aterrador y completamente estimulante.

Ahora, una generación más tarde – en un momento en que, en casa, el sentimiento antidrogas y anti-obscenidad ha llegado a un punto de fiebre y cuando, en el extranjero, la música de los Doors es una vez más entre las opciones favorecidas de jóvenes estadounidenses luchando en una guerra. Morrison parece más heroico para muchos fans del pop que nunca. Una película como Oliver Stone’sDoors -que es la película más ambiciosa y épica que aún se ha producido sobre la cultura del rock y sus descontentos- puede incluso hacer que parezca que la banda, de una manera oscura, ha ganado su argumento con la historia cultural. Pero a finales de los años sesenta, parecía bastante diferente. Para muchos observadores, parecía que el grupo había tirado bastante su visión en su primer álbum. En el segundo disco de The Doors, Strange Days (octubre de 1967), la música había perdido gran parte de su nerviosismo -la sensación de rapacidad, de impulso persistente, que había hecho que el álbum anterior parecía tan innegable- y en contraste con la atmósfera de agresión Y el temor que las primeras letras de Morrison habían hecho palpables, las nuevas canciones tendían demasiado a menudo al melodrama (“Strange Days”) oa la pretensión plana (“Horse Latitudes”). Era como si una visión musical que sólo unos meses antes hubiese parecido sorprendentemente original y urgente se volviera meramente mórbida, incluso paródica.

Además, el propio Morrison estaba profundamente inmerso en los patrones de abuso de drogas y alcohol y mala conducta pública que eventualmente resultaría tan ruinoso para él, su banda, sus amigos y su familia. En el contexto de finales de los años sesenta y sus cismas generacionales, las estrellas del pop a menudo hacían alusión a su consumo de drogas oa la burla de la moral dominante o autoritaria. A veces esta impudicia era simplemente llamativa o ingenua, aunque en ciertas otras ocasiones -como el incidente de diciembre de 1967 en el que Morrison fue arrestado después de castigar públicamente a policías por su brutalidad en el backstage en un concierto de New Haven- estos gestos de desafío ayudaron a envalentonar al público rock Sensibilidad política emergente. La mayoría de las veces, sin embargo, la agresividad de Morrison no era tanto una exhibición de bravuconería contracultural como un signo de la propia rabia de la cantante y la disipación fuera de control.

En otras palabras, algo más oscuro que la ambición artística o política alimentó el apetito de Jim Morrison por la interrupción, y en marzo de 1969, en un infame concierto en Miami, esta triste verdad se encontró con resultados desastrosos. En la versión cinematográfica de este incidente, Oliver Stone retrata el concierto como parte de un concurso y una parodia, y aunque quizás sea un poco de ambos, la mayoría de los relatos de primera mano han descrito el espectáculo como un simple y patético confusión. Las puertas estaban programadas para actuar a las 10:00 p.m. Pero se había retrasado durante casi una hora debido a una disputa con los promotores del programa. Cuando el grupo llegó al escenario, Morrison ya estaba embriagado, y continuó sosteniendo la actuación mientras pedía a la audiencia que bebiera más. Un cuarto de hora más tarde, después de que la música había comenzado, Morrison detuvo las canciones a medio camino y vagó por el escenario, reprendiendo al público para cometer la revolución y para amarlo. En un momento, se puso la parte delantera de sus pantalones de cuero y amenazó con producir su pene para la lectura de la multitud. (Curiosamente, aunque más de veinte años han pasado, y más de 10.000 personas, incluyendo miembros de la banda y policías en el escenario, presenciaron el desempeño de Morrison, nunca se ha determinado claramente si Morrison realmente logró exponerse esa noche). El final de la serie, Morrison persiguió a los miembros de la audiencia en el escenario con él, y el concierto terminó en una versión fácil del caos que el cantante había profesado durante mucho tiempo aspirar a.

En ese momento, el evento parecía más vergonzoso que escandaloso, pero dentro de unos días el Miami Herald y algunos funcionarios políticos y políticos de mentalidad política habían inflado la debacle lamentable en una seria afrenta a Miami y el bienestar moral de la nación; Además, el propio Morrison fue considerado como la encarnación de la indecencia suprema de la juventud. El calendario de conciertos de los Doors a nivel nacional se detuvo inmediatamente y, de hecho, los días de gira de la banda fueron terminados. Curiosamente, en medio de todo el alboroto que seguía – el debate público, el juicio vergonzoso por obscenidad – casi nadie vio el gesto de Morrison para lo que realmente era: el acto de un hombre que había perdido la fe en su arte y su relación con el mundo alrededor él. En esa fatídica noche en Miami, Jim Morrison ya no sabía lo que su público quería de él, o lo que él quería de sí mismo para el caso, y por lo que ofreció su tótem más obvio de amor y orgullo, como si fuera la verdadera fuente de Su valor. El vocalista de The Doors, que sólo dos años antes había sido uno de los héroes más inteligentes, asustadizos y sexys del rock, era ahora un desgarrador alcohólico y un idiota de clown. Necesitaba ayuda; No merecía la veneración barata, y ciertamente no merecía la horrible, moralista marca de castigo de la cárcel que el estado de Florida esperaba imponerle.

Por supuesto, Morrison nunca recibió – o al menos nunca aceptó – la ayuda que pudo haberle salvado. En 1970, las Puertas eran una empresa de negocios de espectáculos con contratos y deudas, y estas obligaciones habían sido profundamente profundizadas por las payasadas de Miami de Morrison. Como resultado, la banda producirá cinco álbumes durante los próximos dos años, incluyendo dos de los esfuerzos de estudio más satisfactorios del grupo, Morrison Hotel y LA Woman, obras sorprendentemente autoritarias y llenas de azul que mostraron a Morrison instalándose en un nuevo, lujurioso y oscuro -humorado estilo vocal y sensibilidad lírica. Pero si finalmente Morrison se sintió cómodo con la idea del rock & roll por sí mismo, también se dio cuenta de que ya no tenía mucho que decir en ese medio. En

En marzo de 1971, Morrison se despidió de las Puertas, y con su esposa de derecho consuetudinario, Pamela Courson, se trasladó a París, aparentemente para distanciarse de los rigores físicos y espirituales del rock & roll y para regenerar su vocación como un moderno poeta. Tal vez con el tiempo podría haber llegado a una comprensión compasiva de lo que él y su generación habían experimentado en los últimos años, ya que el idealismo de los años sesenta había dado paso finalmente a una sensación de desinflación de miedo y futilidad. (Ciertamente, en las últimas entrevistas de Morrison se veía que había comenzado a adquirir una valiosa información sobre las razones y las fuentes de su, y de su cultura, de excesos). Como resultó, Morrison simplemente siguió bebiendo en un desolador Y de acuerdo con algunos testigos, a veces caía en la depresión por su incapacidad para volver a invocar su musa poética, tomando en lugar de escribir notas de suicidio.

Finalmente, a las cinco de la mañana del 4 de julio de 1971, Pamela Courson encontró a Morrison hundido en la bañera de su apartamento de París, una dulce sonrisa en su rostro. Al principio, Courson pensó que estaba jugando con ella. En esta oscura mañana, sin embargo, Morrison no estaba jugando. Su piel estaba fría al tacto de su esposa. Jim Morrison había muerto de insuficiencia cardíaca a los veintisiete años, sonriendo ante un abismo de lento avance que, mucho antes, había decidido que era la certeza más hermosa y reconfortante de su vida.

INICIALMENTE, LA MUERTE DE MORRISON PARECÍA SER EL FIN DE LAS PUERTAS. El año anterior, Jimi Hendrix y Janis Joplin habían muerto también, también de causas provocadas por el alcohol o las drogas. Ahora, la muerte de Morrison -que había sido más claramente previsible- dejó claro que las primeras fatalidades probablemente serían uno de los costos más frecuentes del heroísmo del rock, que el prodigio más brillante de hoy podría ser el próximo incendio probable del mañana. Aunque los teclistas Ray Manzarek, el baterista John Densmore y el guitarrista Robby Krieger, hicieron dos discos como trío bajo el nombre de la banda, nunca pudieron realmente recuperarse de la muerte de Morrison. Si, de alguna manera, Morrison había resultado ser el factor más preocupante y limitante de la banda, también había sido la reivindicación central del grupo de una identidad o propósito, y sin él las Puertas ni siquiera eran un nombre notable.

Hoy en día, sin embargo, veinte años después de la muerte de Morrison, las puertas disfrutan de una renovada popularidad que no muestra signos de disminución – una popularidad que podría haber demostrado ser mucho más esquivo Morrison sobrevivió y regresó al grupo. Las raíces de esta renovación se remontan a mediados y finales de los setenta ya las cuestiones que rodean el advenimiento del movimiento punk. En 1976 muchos fanáticos y músicos jóvenes del rock & roll comenzaron a sentir que el mundo del pop había perdido el contacto con su sentido de la audacia, que gran parte de la música de los años setenta, y el trabajo de los pilares de los años 60, En el contenido y demasiado obsesionado con el privilegio y la distancia. Como el punk se levantó, trajo consigo una reevaluación de la historia del rock, y como resultado, algunas de las bandas más duras de finales de los años 60 – tales como las puertas, el terciopelo subterráneo, MC5 y los Stooges, todos de los cuales habían explorado Algunos temas difíciles ya menudo impopulares durante sus carreras de corta duración- disfrutaron de una nueva moneda que los transformó en algunas de las influencias más duraderas y omnipresentes del rock americano.

El renacimiento de los Doors también fue ayudado por el uso de Francis Coppola de la música de la banda en su película Apocalypse Now. Viendo la inmolación repugnante de las selvas vietnamitas por el napalm, acompañada por Jim Morrison, que entonaba “El Fin”, dejó claro claramente que lo mejor de la música de los Doors había sido una brillante e irrefutable banda sonora de uno de los ejemplos más notorios Del infierno moderno. Y, por último, el regreso de los Doors tiene una gran deuda con No One Here Gets Out Alive, Jerry Hopkins y Danny Sugarman, un relato altamente sensacionalista (y probablemente aterradoramente exacto) de la vida y muerte de Morrison. El tema principal del libro (tema que también ha sido apropiado y avanzado por Oliver Stone) es que “Jim Morrison era un dios”, un poeta visionario de temperamento oscuro que también era un ejemplo heroico de la sabiduría que puede encontrarse viviendo Una vida de exceso inexorable.

En otras palabras, Jim Morrison ha sido gradualmente rehabilitado en uno de los héroes más indelebles y ampliamente venerados de los años sesenta. En parte, esto ha ocurrido porque varias de las personas involucradas en este reclamo tienen interés en redimir el legado de Morrison y porque han descubierto que todavía hay una carrera considerable en perpetuar su historia y la de los Doors. Pero quizás sea más interesante preguntar por qué el renacimiento de Morrison ha jugado tan bien y tan consistentemente con el público de rock moderno de la última década. En otras palabras, ¿qué encuentra un auditorio de rock contemporáneo en Morrison, o necesita de él, que no se puede encontrar en los músicos de su propia generación? Después de todo, se nos dice repetidamente que esta es una época más conservadora y que en particular, la juventud de hoy es mucho más conservadora que la juventud de los años sesenta. Si ese es el caso, ¿por qué una audiencia tan grande sigue reverenciando a un artista que parecía ser tan radicalmente hedonista (incluso nihilista) en su perspectiva?

La verdad es que Jim Morrison es el héroe radical ideal para una era conservadora. Aunque pudo haber vivido una vida desafiante y rebelde, no fue un desafío arraigado en ninguna ideología clara o visión política, a diferencia, por ejemplo, de la marca de rebelión a la que John Lennon llegaría a aspirar. El desafío de Morrison tenía fuentes personales profundas – derivó de una niñez pasada en una familia con una disposición militarista y autoritaria. En consecuencia, el modo de insurrección de Morrison era apenas insignificante o sin mérito; De hecho, a menudo se ejerció como una insignia de coraje duro-ganado, y que el coraje es en parte lo que el público de hoy en día reconoce y ama sobre él.

Pero el desafío de Morrison a menudo tomaba la forma de un absoluto desprecio -una ausencia de preocupación por cómo sus impulsos y su temperamento no sólo podían ofender a los moralistas tensos, sino que podían dañar a las personas que más amaban y dependían de él. En pocas palabras, Morrison cometió sus atrocidades y cultivó su hedonismo a veces de manera notablemente inconsciente, y desafortunadamente, este hábito también puede ser parte de lo que muchos admiradores de rock o buscar emular sobre él. En un momento en que algunas estrellas del pop tratan de involucrar a su público en diversas causas humanitarias y políticas, y en un momento en que numerosos modelos y figuras de autoridad aconsejan a los jóvenes a hacer una virtud de moderación o abstinencia, hay muchos fans que no se mueven por Estas admoniciones. Algunos artistas, como Guns n ‘Roses, son vistos como viviendo esta bravata por los tipos desafiantes de hoy, pero ninguno, por supuesto, lo ha vivido con tanta eficacia como Jim Morrison, que estaba encariñado con decirle a su audiencia: “Yo No sé de ti, pero tengo la intención de tener mis patadas antes de que toda la jodida casa de mierda explote “. No es tanto un mensaje radical, ya que el radicalismo pretende cambiar algo más allá del dominio del yo. En cierto sentido, es simplemente una oscura extensión de la filosofía de la autoestima que se ha identificado con la era Reagan-Bush. Pero los costos de esta bravata pueden ser considerables y sería bueno que los custodios de Morrison y la historia de los Doors fueran más escrupulosos acerca de cómo retratan la nobleza de sus excesos o la fascinación de su muerte. Pero entonces, el mito de un poeta joven y libertino – que intentó probar los límites de la libertad cultural y de la licencia personal; Y que sufrió el malentendido no sólo de la cultura americana establecida, sino de la familia, de los amigos y de la cultura de la roca también; Y que murió porque simplemente no podía alcanzar lo suficiente o ser amado merecidamente – es probablemente demasiado bueno, y demasiado malditamente lucrativo, para cualquier biógrafo resistir romantizarse o explotar.

Después de todo, en algunos aspectos, la muerte es el elemento preservador perfecto del legado de Morrison. Tiene la doble ventaja de haber detenido la decadencia del cantante antes de que pudiera haber ido a un comportamiento peor aún o de arte y, en gran medida, de ayudar a absolverlo de los fracasos de sus últimos años. Es casi como si, en alguna parte, de alguna manera, un acuerdo macabro se golpeó: Si Morrison tendría simplemente la buena gracia para morir, entonces lo recordaríamos como un poeta joven, apto, guapo; Le perdonaríamos sus actos de desprecio, crueldad y embriaguez y lo recordaríamos menos como un sociópata de estrabismo y más como un místico-poeta sondeante. Además, hay una cierta satisfacción vicaria que se encuentra en su final. Si lo desea, puede admirar el espíritu de alguien que vivió la vida y persiguió la muerte al máximo, sin tener que emular ese compromiso usted mismo. Morrison ha salvado a sus fans menos nerviosos (y más inteligentes) el problema de su propia auto-negación voluntaria.

Y así murió Jim Morrison y, con la ayuda de antiguos amigos, miembros de la banda y biógrafos, consiguió el regreso perfecto: uno en el que el cantante y su banda nunca podrían decepcionar nuestra fe renovada, porque no habría música nueva, No hay nuevo arte, no hay nuevas declaraciones para poner a prueba su crecimiento continuo o nuestra percepción continua. En resumen, fue un regreso en el que Morrison sería eternamente heroico, eternamente amado y eternamente comerciable.

Por supuesto, es probablemente un poco graceless para golpear demasiado sobre un hombre muerto – especialmente uno que ya golpeó encima de sí mismo abundancia durante vida. Por lo tanto, vamos a permitir a Jim Morrison su victoria póstuma: Si, en algunos aspectos, él era quizás un poco demasiado mezquino o egoísta para ser un héroe fácil de los años 1960, sin duda ha demostrado estar en el paso con el temperamento de la la última década. No importa que arrojara sus mayores visiones y potencial en un sinfín de drogas, alcohol, inseguridad y maldad, y no importa que esté muerto. No importa, porque al final, la muerte ha sido el amigo más redentor y más gratificante de este héroe del rock.

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